Entrevista a las directoras de “Isabelle H. Sudamerican Actress”: “El juego de roles se da de manera natural. Somos actrices y directoras y el diálogo nos ayuda a avanzar”

¿Cómo surgió la idea de montar esta obra?

Todo parte desde la necesidad de la experimentación en el fenómeno escénico, de buscar nuestro lenguaje, nuestras propias formas. La idea surge desde nuestras necesidades como artistas que recién comienzan, de hablar sobre ser actriz y de cómo enfrentarlo en un sistema así. Esto nos llevó a todo lo que vino después.

¿Cómo fue el proceso de montaje?

El montaje lo iniciamos con el ensayo parcelado de las distintas escenas que componen la dramaturgia. No comenzamos linealmente, fuimos resolviendo cada una de las escenas y descubriendo su carácter, y eso fue generando su propio orden, ensamblándose como en un collage. Hicimos dramaturgismo en el proceso, los primeros ensayos fueron sólo entre nosotras las actrices, acercándonos a los textos y grabando cada ensayo para luego tener una percepción externa de lo que se estaba gestando, también fuimos saliendo alternadamente mientras la escena lo permitiera, del rol de actrices al rol de dirección, para poder observar y dirigir el proceso. Dos meses antes del estreno se integró de manera intensiva el diseñador sonoro a los ensayos, y fue creando con nosotras en conjunto.

¿Cómo fue escribir, dirigir y actuar en la obra?

Como esta obra es el segundo montaje de la Compañía el ejercicio de escribirla se dio de una manera mucho más fluida, ya que escribimos siempre las tres. Hay escenas que propuso cada una desde su soledad o escenas que fueron escritas por las tres. En este sentido nunca desechamos las ideas, o propuestas de la compañera, siempre que alguna tiene una idea se prueba antes de decidir finalmente si funciona o no. Esto lo aplicamos siempre, entonces hay plena confianza al momento de dirigir y actuar, el juego de roles se da de manera natural, somos actrices y directoras y el diálogo total nos ayuda a avanzar.

¿Qué temática de la obra fue el punto de partida?

El fracaso de ser artista atravesado, ciertamente, por ser mujeres. Decimos “somos mujeres y artistas y nadie nos conoce, qué hacemos con eso aquí en Chile”. A partir de aquello, problematizamos nuestra identidad y exponemos hechos biográficos, desde ahí aparecen temas como la violencia de género, por ejemplo, tener que responder a un canon estético como actriz en un casting, entre otras cosas.

¿Por qué decidieron crear esta historia en torno a Isabelle Huppert, actriz francesa, que Uds. mismas dicen en la obra que acá en Chile nadie conoce?

Lo de Isabelle Huppert, tiene dos espacios importantes. Primero, la utilizamos como excusa de creación, nuestro pie forzado fue no saber nada de su vida, no investigar, solo atenernos a algunas películas de ella y tratar de descifrar qué hacía en su vida. La verdad es que fue un pie para crear la dramaturgia, para comenzar a buscar. Segundo, cuestionar esta búsqueda en un personaje europeo y a la vez tensar la búsqueda de la identidad constante en estas actrices que se sienten totalmente desamparadas en Chile. Finalmente, la obra no trata de Isabelle Huppert, trata de cómo ellas se agarran de algo para poder encontrarse o no.

Esta obra tiene una puesta en escena bien interesante. ¿Cómo pensaron esta propuesta con muchos elementos, música, tecnología, audiovisual, etc.?

Como compañía ya veníamos desde el año 2016 investigando el cruce con los lenguajes audiovisual y sonoro en nuestro primer montaje Medra: o una voz para Liv Ullmann. Para nuestro segundo montaje decidimos explorar y profundizar más aún en el uso de los medios y la performance técnica que se produce con la manipulación de los dispositivos tecnológicos y escenográficos en tiempo real, haciendo evidente el “tramoyaje”. Nuestra idea es ir perfeccionando y radicalizando esto.

¿Cuál fue el mayor desafío dentro del proceso de montaje?

El mayor desafío fue dirigir y realizar todos los cambios técnicos desde la escena, ya que la escenografía es completamente móvil, entonces había que generar bastante diálogo con ella, apropiarnos de sus detalles y encontrar desde cada rol propuesto la idea de ser tramoya.

Esta obra se plantea como performance ¿Cómo llegan a este concepto? ¿Es algo que vienen trabajando como compañía?

La obra contiene elementos de la performance, en este caso diríamos teatro performativo, esto tiene que ver con nuestra manera de enfrentar el trabajo no sólo escénico, sino también creativo. Este término nos entrega la flexibilidad suficiente para experimentar, mezclar lenguajes, desde una dramaturgia hecha para ponerse en escena, que va mutando sobre los ensayos, apelamos al sentido completo de la puesta en escena, a un ejercicio de búsqueda constante en la actuación, cómo juega con la sonoridad en el presente, cómo relacionarse de distintas formas con el público, profundizar sobre estas estéticas de lo performativo nos entregó elementos de creación, de trabajar la idea del teatro dentro del teatro, de complejizar las capas actorales.

¿Cómo plantean el feminismo? Un tema tan actual, pero al mismo tiempo tan de moda que es difícil crear algo original. ¿Cómo fue para Uds. abarcar esta temática sin caer en los estereotipos y en lo obvio?

Lo esencial es trabajar con lo único que realmente nos pertenece, que es absolutamente nuestro y eso es nuestro cuerpo. Toda búsqueda parte desde ahí, es por ello que esta obra habla de nosotras como mujeres todo el tiempo. La ironía como recurso, es fundamental para decir en el montaje, llevar al extremo ciertas cosas como, por ejemplo, la escena de una artista que crea una instalación basada en su origen, el cual debe ir a reconocer fuera, a Europa y a verse bajo la visión de ese otro, y ahí hay algo muy violento, en cuanto a cómo la historia oficial nos ha construido como mujeres.

¿Cuánto hay de autobiografía en esta obra? ¿Han vivido el rechazo de una postulación a una residencia?

A una residencia no, pero sí a otras postulaciones. Lo del rechazo a la postulación viene a englobar una serie de fracasos que se vive siendo artista acá, el fracaso en el sistema, básicamente. Indagar en esta idea de fracaso, de ser personajes fracasados nos sirve para acercarnos y alejarnos de nosotras mismas, reírnos de nosotras mismas, también, que es algo que nos ayuda tremendamente a la creación.

¿Cómo vieron la reacción del público?

En general super bien, produce algo y eso es lo importante, que el público no esté tan cómodo sentado viendo una obra. Hay quienes ingresan en el delirio que se propone y disfrutan mucho, hay partes donde sentimos que no saben si es correcto reírse o no, porque a la vez estamos mostrando algo horrible, como una escena que muestra una ida al ginecólogo que termina con violencia obstétrica. Hubo una función donde dos personas se sintieron incómodas y se fueron, no sabemos las razones, pero coincidió con una escena en la que hablábamos de Pinochet. Quedamos felices con la recepción en especial de un público que no es de teatro y que lo pasaba bien y reflexionaba a partir de ello, más allá del cuestionamiento intelectual a lo que estábamos haciendo.

¿Van a tener nuevas temporadas más adelante? ¿Qué se viene a futuro para la obra?

Queremos tener una temporada lo antes posible, estamos viendo todas las posibilidades, queremos seguir moviendo la obra, porque creemos mucho en ella, funcionamos muy bien como equipo, con lo sonoro que hace Octavio Oshee y en el diseño con Nicolas Zapata, así que estamos motivadas y con ganas de salir a mostrar nuestro trabajo, y llegar a nuevos espectadores.

Este artículo fue publicado originalmente en Culturizarte, un blog chileno especializado en cultura. Si quieres ver contenidos culturales, visita www.culturizarte.cl. Síguelos en Facebook
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