Los 50 mejores discos chilenos del siglo XXI

El cambio de milenio también conllevó transformaciones grandes en la carrera de Nicole. La cantante, que venía de publicar “Sueños en tránsito”, producido por Gustavo Cerati, decidió radicarse en México para internacionalizar su carrera. Aunque al principio no fue fácil, sus demos llegaron a los oídos de la misma Madonna, que aprobó el fichaje de la chilena en su sello, Maverick Records.

Así, Nicole grabó en Nueva York “Viaje infinito”, bajo la producción de Andrés Levin (David Byrne, Tina Turner, Paulina Rubio) y con la participación de Sterling Campbell (baterista que había trabajado con  David Bowie y Duran Duran). El álbum trajo una renovación sonora para Nicole, que se empapó en sonidos afroamericanos  y exploró, a su manera, géneros como el funk y el soul, recibiendo una nominación al Grammy Latino.

Uno de los discos emblemáticos de la generación dorada el pop indie chileno. Luego de su debut con “Totoral” (2008), el dúo conformado por Mariana Montenegro y Milton Mahan, se consolidó con “Música, gramática, gimnasia”, producido por Cristián Heyne. Gracias al magnetismo de canciones como “Lo que quieras”, “Diane Keaton” y “Los adolescentes”, la banda se convirtió en uno de los pilares de aquella escena chilena independiente y tuvo hitos importantes en el extranjero, como una gira por España, que refleja el ilimitado alcance que se podía permitir la música en la era de los blogs.

La voz propia que ha construido Diego Lorenzini a lo largo de su carrera tiene en “Pino” una de sus exposiciones más representativas. El humor, la ternura y la inocencia se entremezclan a lo largo del disco, que toma, además, muchas referencias de la idiosincrasia y la cultura popular nacional, posicionándolo como una cantautor clave de su generación.

17 años pasaron entre el segundo y el tercer disco de Electrodomésticos. La banda estaba oficialmente disuelta pero en 2001, Carlos Cabezas y Silvio Paredes se reunieron y empezaron a tocar de nuevo en compañía de Gabriel Vigliensoni, Cuti Aste y Edita Rojas. Al comienzo se rehusaron a presentarse bajo el nombre de Electrodomésticos, pero a medida que empezaron a componer nuevo material, se dieron cuenta que estaban viviendo un nuevo capítulo en la historia del grupo.

El resultado fue “La nueva canción chilena”, un disco que fue publicado en 2004 y que demostró que, lejos de querer repetir fórmulas, Electrodomésticos seguía (y sigue hasta hoy) apostando por la innovación y la vanguardia. Desde el vigor rockero de “En tu mirar”, hasta el coqueteo con el bolero en “Has sabido sufrir”, la banda se mantenía tan inclasificable como influyente.

La presencia de Juana Fe en la edición 2008 de los festivales del Huaso de Olmué y de Viña del Mar eran el síntoma innegable de que la banda había despegado. Todo gracias al hit que fue “Callejero”, una oda al vendedor ambulante que, además de entretener y hacer bailar, lograba perfectamente el retrato del barrio que estaban buscando Juan Ayala y compañía desde su primer disco. El título de su segundo álbum apuntaba a la fusión de estilos que buscó la banda (con pasado incluso en el metal) para poder conectar con el público que más les interesaba: el popular.

La separación de Los Tres en el año 2000 había dejado un sabor amargo en la historia de una de las bandas fundamentales de la historia del rock chileno. Su regreso en 2006, sin Pancho Molina en la formación, aún evidenciaba heridas por cerrar, pero disipó dudas con la mayoritaria buena acogida que tuvo “Hágalo usted mismo”, presentado en sociedad en dos jornadas en el Arena Santiago, antes de que fuera común que números locales pudieran tocar en el recinto del Parque O’Higgins.

A lo largo de 10 canciones, el grupo revisitaba su esencia sonora aunque no solo mirando al pasado, ya que varias letras se hacían cargo de los aprendizajes recientes de la banda o del presente político de Chile, siempre al estilo de la característica pluma de Álvaro Henríquez.

La historia de una mujer común y corriente que persigue la fama televisiva da nombre y abre este álbum de Congreso, una banda inquieta que, aunque pasen los años, no deja nunca de buscar y crear. El disco avanza ligero entre otros relatos entrañables, una fusión de músicas que incluso admite al rap, y guiños a figuras como Pablo Neruda y Víctor Jara. Otra perla de una discografía extensa y que nunca defrauda.

Ante el mito de que el segundo disco siempre implica un desafío mayor para cualquier músico, Pedropiedra salió airoso con su “Cripta y vida”, que reforzaba la propuesta exhibida en su debut solista, aunque con una mirada algo más sombría. El sarcasmo se consolidaba como especialidad de la casa en las reflexiones sobre la muerte (“Vacaciones en el más allá”), sobre el orden mundial predominante (“Occidental”) o sobre el vació existencial (“En esta mansión”); situándose como uno de los grandes bastiones de la escena del pop independiente chileno de aquellos años.

Manuel García fue otro que sorteó con creces el obstáculo que podría representar hacer un segundo disco después de un debut tan auspicioso. “Témpera” renovó sus credenciales y a la vez, amplió el abanico de sonidos, referencias y herramientas utilizadas hasta la fecha. Entre muchos temas destacados, la enérgica interpretación de la canción que da título al disco quedó como un clásico del repertorio venidero de García y “La gran capital” logró reflejar como nunca la experiencia de la migración desde regiones hacia Santiago.

Antes de Gepe, estuvo Taller Dejao, el dúo que el sanmiguelino conformó junto a Javier Cruz, su vecino y compañero en el colegio Miguel León Prado. Su único álbum hizo ruido en el circuito underground pero con el tiempo fue adquiriendo el carácter de clásico. La magia estaba en los gustos diversos de cada integrante. Mientras Gepe, que tocaba la batería y cantaba, desarrollaba sus interés por mezclar pop y folclor, Cruz, era un bajista abanderado por el hard rock. El resultado fue único en su especie y al día de hoy demuestra seguir siendo influyente.

El disco más vanguardista de Mon Laferte. Inspirada en el concepto que acuñaron Humberto Maturana y Francisco Varela para hablar de la renovación de las células, la cantante se reinventó con un pie en el pasado y otro en el futuro. Así, conviven en un disco salsa, techno, ópera y dembow, acompañados de letras explícitas, desinhibidas y políticas, que reflejaron la llegada a los 40 años de una de las mayores estrellas chilenas del siglo XXI.

La banda de pop chileno por excelencia cerraría con este álbum homónimo su primera etapa, disolviéndose al poco tiempo del lanzamiento. Aunque el tema más reconocido del disco sea “Puta, jefe”, una graciosa historia que cuenta las desventuras de un trabajador promedio; lo cierto es que este trabajo también incluye algunas de las canciones más maduras de la agrupación, como es el caso de la sentidas “Caleidoscopio” o “Un par de decisiones”.

El resultado hizo crecer el fenómeno popular que ya arrastraba la banda, vendiendo 20.000 copias en los primeros meses y lanzando el disco ante 10.000 personas en el Velódromo del Estadio Nacional.

Luego de publicar sus primeros tres discos en la segunda mitad de los 90, Chancho en Piedra hizo su apuesta más grande con “Marca chancho”, mezclado y masterizado en Los Angeles entre los estudios Westlake (Red Hot Chili Peppers, Michael Jackson) y Capitol Records. En este álbum, el cuarteto potenciaba su registro lírico, caracterizado por abordar la contingencia desde la ironía, y profundizaba en sus búsquedas musicales, atreviéndose a mezclar su sonido característico con folclor.

La consagración de un artista que venía buscando el éxito incansablemente desde la infancia. Títulos como “Te vas” y “Que levante la mano” pasaron rápidamente a ser repertorio obligado de cualquier año nuevo o matrimonio en Chile, revalidando una fórmula que consistió en tomar temas del cancionero peruano y darles una nueva vida que se expandió por toda Latinoamérica.

La Noche estuvo a punto de disolverse antes de la creación de este disco pero se dieron una oportunidad más y terminaron convirtiéndose en uno de los mayores fenómenos del siglo. Creado por Alexítico en Catemu, en los tiempos libres que le dejaba un trabajo como chofer, el álbum le abre un espacio a la cumbia romántica y picarona, que luego fue aprovechado por otros artistas. La llegada de Leo Rey como vocalista fue la guinda de la torta, dándole rostro y voz a un proyecto que durante algunos años aparecería por todos lados.

El silencioso debut de un artista que terminó ganando su espacio orgánicamente. Desamor, teatralidad y texturas juguetonas se entremezclan a lo largo de nueve canciones, que sintetizaron las múltiples influencias a las que Lucas Solovera se había enfrentado durante su vida. Proveniente de una familia de músicos, Elmalamía ya había trabajado con artistas como Javiera Mena, Camila Moreno y Alex Anwandter, y como asistente en los reputados Estudios Triana, desde donde gestó “Drama”, un álbum que pareciera que aún no toca su techo.

Un disco fundamental en la historia reciente del rap chileno y carta de presentación de uno de los nombres más importantes de esa escena. A través de enérgicos fraseos, Jonas Sanche abre una ventana por la que se logran observar su historia, sus rabias y sus necesidades, que podrían ser las de cualquier joven chileno.

Después de una década formativa, Gondwana generó con sus tres primeros discos un interés masivo por el reggae, que hasta ese entonces se había explorado poco en Chile. En “Alabanza”, la banda llevó los códigos propios de su ámbito a un público mucho mayor, aunque también dejó himnos de amor (romántico y filial) para la posteridad y fuertes declaraciones políticas.

Después de Los Tres, La Ley fue la segunda banda chilena en grabar un MTV Unplugged, que llegó para reforzar el alcance internacional que tenía el grupo liderado por Beto Cuevas. Las nuevas versiones de sus éxitos terminaron, en algunos casos, siendo incluso más reconocidas que las originales, como es el caso de “El duelo” junto a Ely Guerra. Además, “Mentira”, creada especialmente para el concierto, también se hizo un rápido lugar entre los grandes éxitos de la banda.

Francisca Valenzuela tenía solo 20 años cuando estrenó su primer disco, aunque a su propuesta no le faltaba madurez. En “Muérdete la lengua”, no solo se deja ver como una de las grandes cantautoras del pop chileno, sino que también pone sobre la mesa temas que luego se convertirían en una bandera de lucha para ella como gestora, pero también para toda una generación.

Un momento bisagra en la carrera de Gepe, que en alianza con Cristián Heyne en la producción, estructuró como nunca antes su ejercicio creativo y mostró su faceta más pop hasta esa fecha. Éxitos radiales como “Por la ventana” y “Un día ayer” validaron el camino que había tomado. Además, la aparición estelar de Jorge González en “Salón nacional de tecnología” trazó un interesante puente generacional que aparece como la guinda de la torta.

Uno de los discos más populares de la banda y de la larga discografía que ha encabezado Cristóbal Briceño en las últimas dos décadas. Luego de su debut con “No soy uno” (2007), Fother Muckers se consolidaron con “Justo y necesario” como renovadores del rock nacional, gracias a su facilidad para crear himnos y a la habilidad de Briceño para contar historias, que en este caso van desde la ambición de un joven por conocer el mundo, hasta el relato del asesinato de dos niños. Mención aparte para “2022”, uno de los grandes himnos románticos de la generación millennial.

Hasta entonces, los dos proyectos discográficos de Chico Trujillo habían tenido una difusión acotada. Fue “Cumbia chilombiana” el trabajo que le dio una visibilidad mayor a su propuesta, revisitando, casi en su totalidad, clásicos del repertorio de la cumbia tropical y dándoles una nueva vida. Las versiones de “Medallita” y “Conductor” se instalaron rápidamente como infaltables en cualquier fiesta popular y “Mira si no he de venir”, comprobó la versatilidad de “Macha” Asenjo como escritor, la que luego marcaría sus próximos pasos.

Segundo y último disco de la banda que integraron Álex Anwandter, Martín del Real, Cristóbal Fredes y Juan Pablo Wasaff. Tal como lo adelanta su título, el álbum se divide entre canciones pop rock de pulso bailable y momentos más pausados y reflexivos, dejando entrever el abanico de emociones en que se sustentaría posteriormente el recorrido en solitario de Anwandter.

El EP “Le disc de Astrou” (2009) los había puesto en el mapa como promesas pero también los expuso a ser criticados por tener muy presente a sus influencias. Por lo mismo, para su primer trabajo de larga duración, la banda buscó potenciar un lenguaje propio. Desde las raíces sureñas del vocalista Andrés Nusser emergió un universo real maravilloso, donde los animales y la naturaleza se ponían al centro de la acción, guiados siempre por magnéticos y psicodélicos sintetizadores.

Si bien Bronko Yotte ya tenía un nombre ganado en la escena del rap, con este disco renovó sus intenciones de no encasillar su proyecto. Las colaboraciones con artistas como Gepe, Cristóbal Briceño, Matías Cena y Felicia Morales ayudaron a expandir las fronteras de una propuesta que, sin embargo, tampoco dejó de lado sus raíces ni a sus colegas habituales. Y, en el fondo, la voz propia de Bronko Yotte, tan cotidiana como poética, seguía consolidándose como una de las más llamativas y auténticas del panorama local.

La primera grabación oficial de uno de los mayores fenómenos recientes de la música chilena, que sin necesidad de un disco, ya llevaba varios años agotando shows. Tal como había hecho con la cumbia en Chico Trujillo, “Macha” Asenjo graba clásicos del bolero que se entrelazan con naturalidad con el aire atemporal del repertorio compuesto por él (“La carretera”, “Isla de errores” y “Continentales”).

“Utopía” tiene un lugar asegurado en la historia de la explosión urbana chilena. Ceaese, pionero del trap en el país, se unió a Utopiko, renombrado productor del hip hop, que tenía inquietudes por incursionar en nuevos caminos. De aquella alianza surgió un disco que exploraba distintos sonidos que eran tendencia a nivel mundial y del que se extraen “Te quiero ver” (con Young Cister y Polimá Westcoast) y “Dámelo” (con DrefQuila), dos hits que lograron un alcance que hasta ese momento habían tenido pocas canciones nacionales del género y que le dieron un empujón a nombres que se convirtieron en grandes referentes del panorama local.

Un grupo conformado por siete mujeres ya asomaba como algo novedoso en aquellos tiempos pero el mayor mérito de Mamma Soul está en el resultado que lograron con aquella inédita fórmula. “Fe”, su debut, se cuajó durante las presentaciones en vivo que hicieron desde su formación en 1998, fusionando distintos ritmos de raíz negra, que por entonces tenían un lugar asegurado en la industria estadounidense pero que se habían explorado poco en Chile. Lejos de ser una traducción de artistas extranjeros, la propuesta de Mamma Soul musicalizó la realidad y visión de muchos jóvenes chilenos de la época, poniendo sobre el tapete temas políticos y sociales.

El debut del proyecto de Tiare Galaz fue creado en un contexto sencillo pero llegó lejos, llevándola a ser la Artista Revelación de los Premios Pulsar 2018 e inspirando a distintas generaciones de artistas. Grabado en invierno y en su casa, bajo la producción de Diego Lorenzini, Niña Tormenta se dio a conocer al mundo con canciones íntimas y de imágenes cotidianas y potentes, desde las que se pueda trazar un vínculo con los grandes nombres de la cantautoría nacional.

Una necesaria fotografía de lo que estaba pasando en el Chile de las marchas estudiantiles. Portavoz despliega, desde el filo de su lápiz, una crítica mirada a la sociedad y al sistema, haciendo honor a la veta consciente que caracteriza al rap. Aunque el gran mérito no está solo en el contenido del disco, ya que, todo lo que opina Portavoz, está narrado a través de las habilidades propias de un excelente rapero, entregando su mensaje con creativas metáforas, juegos de palabras y una forma única de fluir sobre la música.

Saliendo del incomprendido proceso del disco “Telepathic sonora” (2001), los integrantes de Panico se quedaron en Paris pero dedicados a ganarse la vida en otros oficios. En ese contexto, surgió la posibilidad de publicar un álbum por el sello independiente Tigersushi, que se convertiría en uno de sus trabajos más elogiados y difundidos. Grabado mayoritariamente en la madrugada —para abaratar costos— “Subliminal kill” presenta un rock primitivo fusionado con ritmos bailables, que soporta un lenguaje tan propio como magnético, y del que salen icónicas frases como “mamaluco cucurrucho chico güero”.

El crudo retrato de la vida en Berlín del mayor ícono del rock chileno. En un disco casi acústico, González abre una ventana desde donde se puede vislumbrar su intimidad. Si bien predomina una sensación de desamor, también hay espacio para comentarios sociales, erotismo y mensajes de amor para su hijo y para él mismo. Así, este disco asoma como otra prueba de una de las mayores virtudes de González, la inquietud por reinventarse constantemente y siempre hacerlo bien.

El álbum debut de Gepe fue el punto de partida para la llegada de una nueva generación de artistas independientes a la primera línea de la música nacional. Todo lo que el disco significó (y significa hasta el día de hoy) se sustenta en una forma fresca de hacer canciones y una manera desprejuiciada de absorber influencias. El resultado es una colección de temas inclasificables y, a ratos, crípticos, pero que transmiten y seducen con el atractivo de algo tan bueno como nuevo.

Después de la primera separación de Los Tres, Álvaro Henríquez fundó Pettinellis, donde seguiría explorando sus inquietudes musicales. El único álbum de la banda propone, sobre todo, rock, desprendiendo éxitos como “Hospital” y “Un hombre muerto en el ring”. Sin embargo, el disco también deja espacio para experimentos electrónicos (la popular “Ch bah puta la güea”) y para el gusto de Henríquez por la tradición chilena. Ese ámbito asoma desde la portada del disco (un guiño a Quilapayún), hasta una renovada aproximación a la cueca, con órgano y guitarra eléctrica.

Un hito importantísimo para el rap chileno del siglo XXI, que supo conjugar frescura y tradición. Jotadroh, por ese entonces una promisoria figura del rap underground chileno, reapareció bautizado como Hordatoj, con letras que podían abordar una amplio abanico de temas y un sonido que mezclaba instrumentación real, samples y scratches. La guinda de la torta, son las colaboraciones, encabezadas por la aparición estelar de Ana Tijoux y el multifacético aporte de Panthy

Luego del paso por distintos proyectos como CHC, Hermanos Brothers, Tropiflaite y Yaia, llegaría el debut en solitario de Pedropiedra. El disco abre con “Inteligencia dormida”, un éxito que entrega las claves del encanto de esta propuesta. Historias con ironía e imágenes metafóricas se ponen al servicio de una voz con un sello propio, que se convertiría rápidamente en uno de los principales nombres del pop independiente chileno.

El tercer disco de Camila Moreno azota con fuerza desde su título y su portada. La aguda mirada de Moreno se inspira esta vez en la Inquisición y, a partir de ahí, traza paralelos con la actualidad y entrega declaraciones sobre temas como el poder, la maternidad y las relaciones de pareja. Como envoltorio, una mezcla de sonidos que se siente visceral y que bebe desde la potencia del rock hasta lo atmosférico del trip hop.

Uno de los puntos más altos de la prolífica discografía que encabeza Cristóbal Briceño. ”Juventud americana” es, ante todo, una colección de himnos ideales para corear en vivo. Detrás de esas memorables melodías, aparece una de las especialidades de la pluma de Briceño, su habilidad para presentar relatos de las más variadas temáticas. Un futbolista congoleño que llega a Copiapó, dos adolescentes absorbidos por la marea, o un carabinero con vocación de cineasta, son algunos de los ejemplos de la creatividad sin límites de uno de los autores ineludibles de la música chilena de este siglo.

Un pilar de la explosión urbana y la prueba de porqué Pablo Chill-E ocupa el lugar que ocupa en esa escena. Cuando el trap aún no tenía exponentes masivos en el país, “S.U.N.O” apareció como la mejor adaptación del género que ya reinaba en Estados Unidos. Asimilando las temáticas que abordaban los artistas del norte, Pablo Chill-E entrega la versión local de esa mirada, introduciendo los códigos propios de la realidad de la marginalidad santiaguina, con una chispa y creatividad que tiene mucho que ver con la picardía folclórica del chileno.

Akriila ya asomaba como promesa antes de publicar su debut discográfico, posicionada como uno de los nombres más fuertes de la escena de trap nacional surgida durante la época de cuarentenas por el coronavirus. Aún así, su primer álbum tomó riesgos y dio un vuelco sonoro, explorando la exuberancia y el maximalismo, sin perder la vocación pop. A su vez, las letras grafican con ingenio a uno de los personajes más interesantes de la música chilena postpandemia.

El salto definitivo de Chico Trujillo a la masividad, consolidando su propuesta que reúne reversiones de clásicos tropicales y composiciones de “Macha” Asenjo, que comparten el mismo sabor atemporal. Fue precisamente una de sus canciones de autoría propia, “Loca”, la que llegó más lejos, convirtiéndose rápidamente en un infaltable de cualquier celebración chilena.

Tras el paso de Alex Anwandter por Teleradio Donoso y el disco que hizo bajo el nombre Odisea, “Rebeldes” representa el comienzo de su recorrido usando su nombre y apellido. De la mano de Cristián Heyne, enfocó su labor en construir canciones pop más concisas y letras más trabajadas. El resultado final dejó himnos de amor y desamor para la posteridad, pero también empezó a posicionar a Anwandter como un ícono de la comunidad LGBTIQ+ y una pluma de filosa mirada política.

Con un nombre ya ganado a nivel internacional, Ana Tijoux decidió reinventarse apoyada en sus raíces. Fue así como mantuvo su esencia rapera pero acudió a una base instrumental inspirada en el folclor latinoamericano y comandada por el trabajo en producción de Andrés Celis. Desde ahí, Tijoux despliega con su habilidad característica para rapear su visión sobre temas como el colonialismo, el patriarcado y el consumismo.

El debut solista de Manuel García reúne temas que venía trabajando desde 1989 y que, en algunos casos, ya había grabado para su grupo Mecánica Popular. En este caso, García dio rienda suelta a su faceta de trovador y grabó una colección de canciones en que se conjugan poesía y dulzura, situándose como el heredero natural de la tradición musical que acarrea a la Nueva Canción Chilena y al Canto Nuevo.

El despegue definitivo de Mon Laferte, tras nueve años radicada en México y dos discos anteriores bajo ese seudónimo. En medio de una crisis vital, amorosa y económica, germina este disco donde Mon Laferte toma como referencia la música que sonaba en su casa de infancia. La pasión y fuerza con la que se interpretan las canciones anula cualquier posibilidad de indiferencia ante estas composiciones, donde resaltan éxitos como “Tu falta de querer” y “Amor completo”.

Pocos discos chilenos han tenido la repercusión internacional que tuvo “1977”, nominado a un Grammy, recomendado por Thom Yorke y con presencia en la bandas sonoras de “Breaking bad” y del videojuego “FIFA 11”. Las razones del éxito se explican gracias al sonido pulido y atmosférico del disco, que a través de una suave cadencia, invita a sumergirse en la biografía y en la intimidad de la voz más importante del rap chileno.

Canciones como “Llueve sobre la ciudad”, “Miéntele” y “Ven aquí” son la mejor prueba de lo hondo que caló “Vida de perros”, tanto en Chile como en otros países de Latinoamérica. Un disco crudo, accesible y coreable que terminó de consolidar a Los Bunkers como la banda chilena de rock más importante del siglo XXI y dejó himnos marcados a fuego en el inconsciente colectivo del país, además de catapultar la internacionalización del grupo.

La importancia de estas canciones no solo es consecuencia del fenómeno popular que significó la primera temporada de “31 Minutos”, sino que puede ser visto también como una de las razones del éxito del programa. La magnética música de Pablo Ilabaca se mezcló con letras de historias auténticas, entrañables y divertidas, que terminaron por generar uno de los cruces generacionales más notables del último tiempo.

Un disco que cambió para siempre el paradigma sobre el pop en Chile y que lo validó como opción para toda una generación de artistas que vendría después. En su esperado debut, Javiera Mena presentaba una forma desprejuiciada de acercarse a la canción, ya fuera desde un prisma más bailable —sin miedo a reversionar hits radiales— o en momentos más acústicos y sentimentales. Mena le dio voz a la juventud dosmilera y también mostró una forma independiente y autogestionada de hacer las cosas, que terminaría por llevar a la música chilena “al siguiente nivel”.